Dari Battle Lahir Bebi

ZABUSA si UDARA
Erza Budi Faisal dilahirkan di Bantul, 12 Oktober 1989. Masa awal karir berkeseniannya, Erza lebih dikenal sebagai Erza Q-Pop. Q sendiri yang berarti Queen. Pada curriculum vitae-nya, Erza tercatat mengawali pameran perdananya di tahun 2009. Sehingga terhitung 1 dekade (2009-2019), Erza menyandang label Q-Pop (Queen of Pop) - seniman pop yang sering menggunakan ikon Queen (atau tepatnya seluk beluk wanita).

Hingga kemudian, sekitar akhir 2019, Erza memutuskan memperkenalkan diri sebagai Zabusa, setelah 20 tahun karirnya di dunia seni rupa. Zabuza sendiri diambil dari akronim nama Erza Budi Faisal. Zabusa sebagai penanda usainya masa pencarian jati diri, pencarian karakter atau kembali setelah evolusi spiritual untuk keyakinan yang dia anut. Selanjutnya dalam tulisan ini, saya menyebut Erza sebagai Zabusa.

Zabusa yang berelemen udara (berzodiak Libra) ini benar benar tidak bisa ditebak kemana arah karyanya. Seperti udara, dia ekspresif, fresh, dinamis, tidak bisa diatur atau tak mau kaku pada aturan dan ingin mengikuti perkembangan. Sehingga ia juga seorang yang banyak bereksplorasi dalam karyanya. Karena berelemen udara, maka Zabusa pun rentan akan kemana angin membawa dia. Untuk itu, tak heran mengapa ia memberi tajuk “The Battle of Fear” pada pameran tunggal ketiganya kali ini. Zabusa masih merasakan sebuah battle, karena dia akan terus bergerak. Bahkan motto dia adalah “dunia bukan tempat istirahat”. Iya karena dia akan terus bergerak seperti elemen bawaannya. Ketika mengenalnya, seakan akan kita dibawa berloncatan, bukan sosok yang kalem dalam pikiran dan jiwanya, meski tampak luarnya demikian. Hal ini akan senada dengan tampilan karya Zabusa, tampaknya saja sederhana, tapi tidak demikian dengan proses pengerjaannya.

Perkara “meloncat”, soal studi pun ia bahkan melakukan manuver, sempat mengenyam kuliah di jurusan Seni Rupa, Universitas Negeri Yogyakarta (UNY), tidak selesai. Pindah kampus dan akhirnya lulus sarjana dari Universitas Muhammadiyah Yogyakarta (UMY), itupun jurusan teknik elektro. Maka, minim latar belakang studi formal seni visual yang ia miliki. Namun demikian, sejak kanak kanak, Zabusa sudah mencetak berbagai prestasi lomba menggambar atau melukis. Jajaran piala di lemarinya masih tersimpan baik sebagai penanda prestasi, antusias dan gairahnya di dunia seni ini. Bahkan pernah meraih penghargaan sebagai lima besar pelukis terbaik di Tokyo, Jepang.

BEBI
Meski terkesan berlompatan, karya-karya Zabusa tetap berada pada jalur pop figuratif sebagai benang merahnya. Aliran pop ini menurut saya cocok dengannya, dimana memberikan energi pembebasan kreatif hampir tanpa batas. Berjumpa karya-karya Zabusa, saya bisa memahami bagaimana jiwa bebasnya ingin berkreasi saat kemana atmosfer membawa dia. Dia bisa bermain dengan pecahan kayu. Dia juga mengkombinasikan teknik robotik dalam karyanya, dimana teknik robotik ini ia dapatkan dari studinya di jurusan elektro. Dia juga menggunakan teknik-teknik melukis yang baru dan entah apa lagi ke depan. Intinya, dia tidak mau biasa saja.

Nyata-nyata ia sampaikan bahwa seniman yang menginspirasi adalah Takasi Murakami dan KAWS, keduanya adalah seniman beraliran pop. KAWS adalah Brian Donnelly, yang dikenal secara profesional sebagai dengan julukan KAWS. Ia seorang seniman dan desainer asal Amerika. Karyanya mencakup penggunaan berulang dari karakter dan motif figuratif, beberapa berasal dari awal karirnya pada 1990-an. Awalnya dilukis dalam 2D ​​dan kemudian diwujudkan dalam 3D (sumber: Wikipedia).

Takasi Murakami adalah seniman kontemporer Jepang. Dia bekerja di media seni rupa (seperti lukisan dan patung) serta komersial (seperti fashion, merchandise, dan animasi) dan dikenal karena mengaburkan batas antara seni tinggi dan rendah. Takashi juga menggunakan karakteristik estetika bersamaan dengan tradisi seni Jepang dan budaya masyarakat Jepang pascaperang (sumber: Wikipedia).

Pop Art memandang budaya komersil sebagai materi mentah, sebuah sumber ide yang tak pernah habis atas hal-hal yang bersifat subyek piktoral. Mereka banyak melukiskan ikon-ikon yang kerap muncul di masyarakat, seperti komik, kehidupan metropolis, iklan dan lain-lain yang dilimpahkan di kanvas atau grafis (sumber: Diksi Rupa, halaman 314). Demikian juga dengan Zabusa yang mengambil ikon-ikon populer seperti ikon-ikon dalam online games atau tokoh kartun Disney, kartun Jepang dan semacamnya. Dengan fasih, dia adaptasi tokoh kartun Mickey Mouse dan Batman. Atau empat karakter Pokemon, yang ia buat berseri. Ada kawanan Donald Duck terkekeh, tak ketinggalan sosok heroes seperti Avangers. Namun demikian, tokoh-tokoh ternama tersebut tak mentah dituangkan dalam karya, Zabusa mengadaptasinya kedalam karakter orisinal ciptaan dia sendiri, yakni BEBI.

Pada pameran tunggal ke 3 nya ini (pameran tunggal pertama tahun 2012, selanjutnya di tahun 2016), -saya memahami ketika dia mengambil judul “The Battle of Fear”. Ini adalah sekaligus sebagai deklarasi ala Zabusa memunculkan karakter BEBI-nya, yang ia temukan sejak akhir 2019. BEBI adalah nama figur karakter yang diciptakan Zabusa, menjadi Bebies karena jamak (banyak). Bebies ini muncul setelah masa pencarian Zabusa selama satu setengah tahun proses evolusi spiritualnya tersebut. Bebies ini bisa munculpun karena atmosfer yang sedang melingkupi Zabusa, dimana dia dikelilingi anak-anak balita dan peran dia sebagai ayah dalam keluarga barunya. Dalam artist statement-nya, Bebies adalah karakter bayi yang menggemaskan secara fitrahnya. Tingkah pola anak cukup termemori kuat melalui karya dia yang banyak memakai media dua dimensi.

Kita bisa menemui dan berkenalan dengan BEBI pada lukisan yang bertajuk “What do you think about who I am”. Ia digambarkan dengan gestur yang percaya diri, berbalut outfit formal namun smart. Sosok ini digambarkan tegas berada center bidang kanvas; dan di sebelah kiri lukisan, jelas terbaca siapa dirinya, ZA-BU-SA. Pada Bebies, di bagian kepala, Zabusa sengaja menghilangkan indra kehidupan seperti mata, hidung , mulut, telinga. Dan menggantinya dengan tanda plus (tambah) di bagian wajah karakter tersebut.

Lalu bagaimana melihat ekspresi si karakter ini bila hanya ada tanda minimalis di wajahnya? Anda tetap masih bisa merasakan ekspresinya melalui gestur yang digambarkan. Polah sedang marah, centil menggemaskan, atau sok cool dan sebagainya, layaknya tingkah bayi atau anak-anak yang lucu dan polos. Figur-figur adaptasi ini tetap bisa berbicara meski tak lengkap indra kehidupannya.

BLOCK dan GARIS
Zabusa melukis dengan teknik menumpuk warna agar terjadi gradasi berupa block warna, ada yang memang sengaja digores dengan kuas dan ada yang dikerjakan secara berlapis. Lapisan lapisan warna ini sesuai dengan keinginan dia hingga mencapai standar yang Zabusa inginkan. Sehingga tak heran, satu block warna dalam sebuah karya bisa mencapai 13 kali lapis. Tiga belas kali lapis itu maksimal yang pernah ia kerjakan, minimalnya 5 kali lapis. Sehingga tak heran, bobot karyanya bisa lebih berat dibanding karya seni visual diatas kanvas pada jamaknya, karena dia melapis cat berulang.

Pada karya-karya Zabusa kali ini, kekuatan block warna dan garis menjadi konsentrasinya. Garis atau outline pun menjadi perhatian detail yang tak mau dia abaikan. Warna yang ingin dia dapatkan harus sesuai dengan yang di bayangan, meski harus melalui tahapan lapisan yang banyak. Seperti saya sampaikan diatas tadi, dia tidak mau karyanya biasa saja. Ia mementingkan kualitas, meskipun pop art diasumsikan karya yang terkesan gampang atau cepat. Namun tidak demikian pandangan Zabusa, ia ingin penikmat seni bisa memahami proses dibalik block-block warna dan garis itu.

BATTLE of FEAR
Tema-tema lukisan Zabusa masih seputaran proses kehidupan manusia di dunia, kalaupun ada topik politik, bukan prioritas, malah ia jadikan satir. Dari karya-karyanya, Zabusa mengajak untuk tidak melulu menanggapi validasi eksternal, contohnya tiga karya yang berjudul “Don’t judge the book by its cover”, “What do you think about who I am” dan “I wish I could be hero”.

Tema bahwa hidup ini sederhana menjadi pemikiran utama Zabusa, terwakili pada 14 karya dia yang dipamerkan saat ini. Kesederhanaan ini diwakili dengan menampilkan block-block warna yang luas namun sarat dan intens dalam eksekusi finishing-nya. Selanjutnya, kita tinggal menjalankan dengan panduan (kitab suci) sesuai porsi (takdir). Banyak hal yang menghambat itu hanya ujian hidup, cara penyelesaiannya adalah dengan sabar, jelasnya.

Tajuk pameran “The Battle of Fear” atau Melawan Rasa Takut, sangat menggambarkan sosok Zabusa yang berada penuh dalam pertimbangan, seperti tersimbolkan dalam zodiak kelahiran dia, Libra. Libra dicitrakan dengan sebuah timbangan (The Justice). “Battle” = gejolak diri, ini masih berlangsung dalam dirinya, dimana ada dua sisi berlawanan. Ada rasa ingin menyelesaikan (justice), di sisi lain ada rasa ingin menunda (penuh pertimbangan). “Fear” = rasa takut, adalah ketakutan tentang apa atau rintangan yang akan dihadapi kedepan yang masih misteri.

Proses pengerjaan 14 karya untuk pameran tunggalnya kali ini, merupakan proses menjawab “The Battle of Fear” atas diri Zabusa sendiri. Dari pembacaan saya sebagai penulis, pameran tunggal ketiga Zabusa ini penting mencatat tiga poin utama, yakni:
* Pertaruhan idealisme diri dia sendiri dengan peta seni rupa global.
* Resolusi proses gejolak diri dia (battle).
* Deklarasi dirinya saat ini (Bebi dan Zabusa).

Apakah sudah terjawab, apakah sudah selesai, apakah ada kesimpulan? Saya sebagai penulis pun tidak akan bisa menjamin Zabusa mendapatkan kesimpulan final. Karena ia akan terus berproses sesuai panggilan hatinya. Bahkan di detik detik terakhir pun, Zabusa si udara bisa membuat spontanitas yang mengejutkan. Di setiap pameran, Zabusa akan selalu menampilkan sesuatu yang baru, sebagai parameter proses evolusi jiwa dia. Giliran Anda untuk menyaksikan pameran ini, mendapatkan pengalaman visual juga pengalaman rasa. Dan bagikan “battle” versi Anda setelah mencerna karya-karya yang dipresentasikan.

Yogyakarta, Mei 2022.

Merah Jambu Tak Berarti Rindu

Tulisan pengantar pameran tunggal "Pembadutan Merah Jambu"
oleh Tina Wahyuningsih
di Miracle Prints, Yogyakarta | 18 Februari - 4 Maret 2022

PROFIL
Ini merupakan kali ketiga pameran tunggal seorang Agustina Triwahyuningsih atau lebih populer disebut Tina Wahyuningsih (lahir di Purwokerto, 11 Agustus 1977). Pameran tunggal pertama di tahun 2011 (di Via Via Cafe, Yogyakarta), disusul pameran tunggal kedua di tahun 2013 (di Tirana Art Space, Yogyakarta) dan baru kembali menggelar pameran tunggalnya di tahun ini 2022 di Miracle Prints, Yogyakarta. Namun demikian, kiprah kekaryaan Tina di dunia seni rupa tak diragukan lagi seiring aktifnya dia mengisi berbagai ruang pamer di Indonesia maupun manca negara.

Tina memang tidak menempuh studi pendidikan seni rupa, latar belakang pendidikan dia adalah Jurusan Psikologi (Universitas Sanata Dharma, Yogyakarta) – tapi lingkungan, pertemanan bahkan pekerjaannya sejak dia lulus kuliah, banyak bersinggungan dengan seni rupa. Bahkan di kampus tempat dia studi, Tina berhasil menyabet penghargaan sebagai juara pertama lomba lukis (2003). Membuktikan bagaimana bakat kreatif sudah ada dalam dirinya. Kemampuan adapatasi Tina yang cepat, mudah, menyenangkan dan terbuka, membuat ia bisa menyerap berbagai teknik teknik berkarya untuk dia tuangkan dalam imajinasi dan idealismenya sendiri.

KARYA
Mari memasuki ruang pamer, kita akan disuguhi nuansa monokrom (= gradasi tone dalam satu warna), yaitu warna merah jambu dan putih di ruangan Miracle Prints. Totalitas nuansa merah jambu ini tak hanya didapatkan dari detail karya tapi juga ruang pamer (akan dicat dengan nuansa yang senada). Ia sudah menyiapkan empat karya dua dimensi, masing masing berukuran 110 x 110 cm (ada dua karya) dan ukuran 50 x 50 cm (dua karya).

Kemudian masih ada juga karya berupa boneka yang ditempel di kanvas ukuran 50 x 100 cm, berjumlah dua karya. Tina menggunakan media dari blacu, dakron, cat akrilik, kain tile dan beberapa ornamen. Dan sebuah karya instalasi yang disetting diatas karpet, yang merupakan karya kontemplasi. Kita bisa merasakan ada kelembutan sekaligus kekuatan dari setiap karya yang Tina hasilkan.

Studio kerja Tina adalah di rumah, dimana dia habiskan bersama keluarga besarnya. Maka persinggungan perkara domestik sangat kental bagi proses berkarya Tina. Beberapa  keterbatasan mempengaruhi proses kreatif seniman menghasilkan karya, termasuk soal ruangan.  Penanda baru di pameran tunggalnya saat ini adalah ia menampilkan karya dua dimensi yang cukup besar kali ini, dimana ia biasa memproduksi karya dengan dimensi yang tentengable atau mudah dibawa.

Tengok salah satu karya lukisnya berjudul “Ngekor” (50 x 50 cm), digambarkan setengah kepala seorang perempuan yang mendominasi separuh bidang kanvas. Dan tampak di belakang, banyak sekali figur badut-badut seolah-olah ingin mengikuti perempuan itu. Tina ingin menyampaikan tentang masyarakat yang cenderung suka ngekor (mengikuti) dengan berbagai tujuan. Ada yang tujuannya meniru, mengawasi (kepo), ingin menyamakan dirinya dengan idolanya dan seterusnya. Badut badut itu rata rata digambarkan serupa, tak nampak beda. Dan posisinya di belakang, ya karena mereka mengekor saja, ekor letaknya di belakang. Mau jadi siapakah kita, si perempuan yang ada di depan, atau rombongan badut yang di belakang?

Salah satu karya berdimensi besar, berukuran 110 x 110 cm, berjudul “Having Fun #1”. Menggambarkan seorang yang sudah dewasa naik kuda mainan. Setidaknya ada dua parodi yang ingin disampaikan Tina dalam satu frame ini. Pertama persoalan gender, Tina berhasil menggambarkan sosok yang kabur identitas gendernya. Tampaknya seperti seorang wanita, tapi dia berkumis. “Itulah parodi!”, ungkap Tina, tampak seperti wanita atau laki laki. Kedua, persoalan usia, yang digambarkan bermain disitu adalah seorang dewasa, bukan anak-anak. Parodi, orang dewasa yang masih kekanak-kanakan atau hati-hati “bermain” permainan orang dewasa. Bahwa dalam setiap orang pasti ada jiwa kanak-kanak. Hasrat ingin bermain akan tetap ada entah bentuk permainannya seperti apa.

Bagi seorang Tina yang lihai di perkara domestik wanita (menjahit, memasak, menata / dekor, merangkai bunga dll), membuat boneka atau soft toys merupakan kesukaan tersendiri, bahkan dulu dia sempat punya brand “Jahitangan”. Sesuai passion-nya, Tina masih menghadirkan karya berbahan boneka yang ditempel di kanvas bertajuk “Being Happy Clown” #1 dan #2. Bercerita tentang dedikasi. Bagaimana seseorang menjalankan profesinya dengan maksimal, idealisme dan sukacita. Kurang lebih menggambarkan dirinya sendiri yang menjalani totalitas dalam berkesenian dengan bahagia selama ini.

BADUT & MERAH JAMBU
Pameran tunggal kali ini mengangkat judul “Pembadutan Merah Jambu”. Hmm... terkesan agak politis ya. Sementara, jika kita kembali menelisik judul pameran tunggal sebelum-sebelumnya, Tina mengalir ringan saja dan menampilkan imajinasi bahkan hiburan. Tampaknya, pemberian judul ini juga penanda seiring kematangan proses berkarya ibu satu anak ini, disamping matang secara usia.  Lalu apa yang ingin disampaikan dari “Pembadutan Merah Jambu”?

Pertama, Tina banyak menampilkan figur badut pada presentasinya kali ini. Menarik benang merah kekaryaan seorang Tina Wahyuningsih – ia masih konsisten menyukai dunia sirkus mau pun karnaval ala Eropa. Bahkan Tina sempat berkunjung ke Eropa (tepatnya Rusia) dalam konteks pekerjaan saat itu, dan membawa pengalaman estetis tersendiri bagi kekaryaan dia. Dunia sirkus itu banyak menampilkan warna yang terang, menarik fokus, menghibur, imajinasi diliarkan, ada unsur hiburan tapi juga kadang adrenalin kita dipermainkan. Kali ini, Tina memfokuskan diri mengambil satu ikon sirkus, yaitu badut.

Badut merupakan representasi sosok yang menghibur, periang, terkesan lugu atau bodoh, tolol tapi dia lucu dan apa adanya. Bagi Tina, sosok badut disamping lucu, dia juga misterius bahkan intimidatif. Seiring perkembangan jaman dan dunia hiburan - sosok badut bisa menjadi dua sisi penggambaran yang ambigu yakni lucu atau menakutkan. Maka Tina menyebutnya bahwa badut sebagai simbol kamuflase kehidupan. Untuk itu, karya Tina kali ini banyak menyoroti persoalan parodi kehidupan dan hubungan antar manusia.

Kedua, warna merah jambu itu sendiri. Warna merah jambu sering disebut warna pink. “Pembadutan Merah Jambu”, karena Tina sengaja menampilkan warna monokrom, pink dan putih sebagai nuansa utamanya. Menurut saya sebagai penulis, ini juga adalah proses kematangan Tina dalam berkarya. Dalam beberapa kesempatan, Tina mungkin sudah katam menampilkan warna warna cerah, terang dan menarik sesuai kesukaan dunia sirkus dan karnaval tadi. Maka kesempatan kali ini, dia gemas, dia ingin menantang diri sendiri untuk mengolah rasa dalam satu nuansa monokrom, pink dan putih saja. Toh dia tetap berproses menemukan warna pink yang dia inginkan, tidak melulu menerima warna cat pabrikan dalam koleksi cat akriliknya. Secara psikologis, warna pink diasosiasikan sebagai sesuatu yang menyenangkan, kreatif, feminim, kekanak-kanakan, menyegarkan, eforia dan menenangkan. Dimana ini sangat menggambarkan karakter personal seorang Tina Wahyuningsih jika Anda sudah mengenalnya.

Ketiga, perihal ambigu, kamuflase, dua sisi. Penulis melihat bagaimana Tina ingin menampilkan dua sisi dalam kehidupan. Si ikon badut yang memiliki sisi – menggemaskan tapi bisa jadi sosok menyeramkan. Kemudian, perihal warna pink itu sendiri. Dimana warna pink merupakan pencampuran warna merah dan putih, warna antara, antara merah dan putih. Melalui pameran dan karya karyanya, Tina menyampaikan pesan bahwa tidak semua yang tampak secara visual akan sama maknanya. Seorang badut yang selalu ceria, belum tentu hatinya sama seperti senyum lebar yang dilukis di bibirnya. Jangan pula mudah menilai seseorang semata dari penampakan dirinya. Sosok yang menenangkan, bisa jadi dia seorang pembunuh yang sangat keji. Sebaliknya, seseorang yang bertampang seram bisa jadi dia lembut hatinya. Sama halnya seorang Tina Wahyuningsih, seorang perempuan Jawa yang kalem dengan senyum manisnya, tapi didalam dirinya, di pikirannya selalu berputar dengan ide-ide karya yang tak berhenti.

Merah jambu tak melulu berarti rindu.
Merah jambu bisa ambigu.

Selamat atas pameran tunggalnya yang ketiga untuk seorang Ibu, seniman, pekerja seni, sahabat kesayangan – Tina Wahyuningsih.

Dan ternyata saya selalu menulis pengantar untuk pameran tunggal dia, terima kasih buat kesempatannya ini ya Tina. Berikut link tulisan saya untuk pameran Tina Wahyuningsih
Pameran tunggal pertama, 2011
http://nunukambarwati.blogspot.com/2012/06/mimpi-dunia-empuk-dream-of-pillowy.html
Pameran tunggal kedua, 2013
http://nunukambarwati.blogspot.com/2013/04/normal-0-false-false-false-in-x-none-x.html

Membuat Gajah tanpa Melihat

Beruntung mempunyai seorang teman, Mas Eko, biasa saya panggil dia. Masih muda dan sudah beristri, namun belum dikaruniai anak. Dia seorang peyandang disbilitas yaitu tuna netra sejak lahir. Meski demikian, dia seorang yang cukup aktif beraktifitas. Dari dia saya banyak belajar - Mas Eko yang saya kenal tidak pernah mengeluh atau sedih dengan keadaannya. Kehidupan mereka sederhana, mereka berdua juga berprofesi sebagai tukang pijat seperti jamaknya peyandang disabilitas tuna netra.

Pernah suatu ketika, ditanya iseng, “Pak Eko kalau mimpi gimana? Mimpinya apa atau gimana sih kalau mimpi tuh?”. Ditanya bagaimana gambaran dia ketika bermimpi. Ternyata jawaban dia mengejutkan saya. Gambaran mimpi dia adalah sama seperti yang dia jalani sehari-hari, di dalam mimpi dia tidak melihat (alias gelap), hanya suara suara, bau atau sense dari indra lainnya. Oh... saya tertegun mendengar jawabannya tak bisa berkata apa apa.

Kemudian saat ditanya, jika suatu hari Mas Eko dikasih kesempatan bisa melihat sekali saja seumur hidup, tapi kemudian tertutup kembali indra penglihatannya – apa yang ingin Mas Eko lihat? Tahu jawaban dia? Bukan ingin melihat istrinya, atau ingin melihat dirinya sendiri. Tetapi dia ingin melihat laut. Oh laut, kenapa, tanya saya selanjutnya? Ternyata karena dia sering mendengar teman-teman bercerita bahwa pemandangan paling indah adalah laut.

Salah satu hal menarik yang paling saya ingat dari dirinya adalah ketika dia membuat karya dari tanah liat (keramik). Ketika itu dia berdampingan hidup bersebelahan dengan seniman yang bekerja dari tanah liat. Jadi di sela waktu senggangnya, dia ikutan nongkrong di studio si seniman. Karena sering nongkrong dan ngobrol, seringlah dia disemangati untuk bikin karya dari tanah liat, "Ayo Mas Eko cobain bikin bikin apa gitu!". Sampai akhirnya dia berminat membuat karya dari tanah liat sendiri. Dan ternyata dia membuat binatang Gajah di karya keramik perdananya tersebut. Tidak besarlah karyanya, ukuran tinggi 13 cm x lebar 14 cm. Dia membuatnya dengan teknik pinch dan pilin.

Lalu bagaimana dia bisa menggambarkan bentuk Gajah padahal dia tidak bisa melihat? Menurut ceritanya, ia pernah naik Gajah 15 tahun lalu. Berdasar memori itu, ia bisa mengingat bentuk binatang besar itu dari indra rabanya. Bagaimana kakinya yang besar, telinga yang hampir menyentuh kaki. Sementara untuk telinga Gajah, ia mendapat gambaran saat ia makan kudapan tradisional kuping gajah. Dan untuk taringnya ia mendapat info dari teman bahwa si Gajah memiliki taring diantara belalainya.

Karya dan cerita di balik karya ini sangat unik juga menyentuh hati. Saya request untuk saya koleksi, Mas Eko mengiyakan hanya dengan syarat menukarnya dengan 2 bungkus rokok kegemarannya. Sudah itu saja, dia sudah bahagia. Beberapa bantuan-bantuan kecil seperti membelikan kebutuhan dia di warung, itu sudah sangat membantunya.

Demikian sekelumit cerita kehidupan kali ini, belajar dari seorang teman yang sederhana dan dengan segala keterbatasannya. Pemikiran dia, cara dia beraktifitas, cara dia bersosialisasi  membuat saya kadang terkejut tapi juga penuh senyuman. Bersama Mas Eko, nampaknya hidup itu tetap bahagia meski dunia dia gelap, bisa bercanda meski hidup dia tidak mudah. Tetap bersyukur dan terus bersyukur dengan apa yang sudah Tuhan berikan di kehidupan kita.

Workshop Ketrampilan bersama Museum Nasional (2021)

Workshop keterampilan seni dan budaya hadir perdana dengan judul membuat agamograph bersama Kak Helmi Fuadi. 

Siapkan alat dan bahan sobat museum di rumah seperti pensil, gunting, penggaris, lem kertas, kertas gambar, crayon/spidol atau pensil warna. 

Saksikan keseruannya di youtube Museum Nasional hari Rabu, 17 Maret 2021 jam 10.00 WIB. 

Ada tantangan dari rumah untuk sobat museum. Upload video tutorial membuat agamograph dengan durasi maksimal 5 menit, tag @museum_nasional_indonesia serta gunakan hastag #museumnasionalberkreasi1 dan tag 3 temanmu. 

Tantangan ini untuk tingkatan SD dan gratis!

Periode tantangan: 18 Maret 2021 - 31 Maret 2021. 

Dapatkan souvenir cantik untuk 3 video terbaik!

https://www.instagram.com/p/CMbJ8Iug9dQ/?igshid=1f169idlh9gak

Golden Tarot

Penerbitan kartu Golden Tarot (2003) adalah sebagai bentuk merayakan warisan budaya, budaya Tarot dan budaya seni rupa. Kartu-kartu ini adalah kolase lengkap dari karya seni Abad Pertengahan akhir dan awal Renaissance. Renaissance berarti “kelahiran kembali”. Pada era ini, muncul perhatian kuat pada perspektif, proporsi, warna, cahaya dan tema. Maka gambar-gambar pada era ini bisa diperhatikan sangat detail dan kuat. Jaman Renaissance dibagi 4 masa: Proto Renaissance (1300-1400), Renaissance (1400-1500), Renaissance Tinggi (1500-1520) dan Mannerisme (1520-1600).

Golden Tarot pada awalnya diciptakan untuk memperluas penikmat karya seni dan tarot - untuk karya-karya seni yang diremehkan dan kurang dikenal. Sebagian besar lukisan yang digunakan dalam kartu-kartu ini mengambil dari gambar yang berada di gereja-gereja Eropa. Jadi sangat sedikit dari kita yang bisa melihatnya di kehidupan nyata. Karya seni Eropa pada akhir abad ke-14 dan awal abad ke-15 sebagian besar bertema religius, yang merupakan cerminan dari masyarakat pada masa itu (atau setidaknya, mereka yang mampu membeli karya seni).

Gambar-gambar yang digunakan berasal dari periode tahun 1200-1500 M. Periode ini adalah periode menarik, baik dalam sejarah maupun seni. Penggunaan elemen emas di bagian pinggir kartu serta eksperimen tentang perspektif dan penggunaan cahaya, juga bayangan membuat beberapa gambar menjadi sangat indah.  

Sebagian besar materi gambar yang digunakan adalah dari gaya dan periode yang dikenal sebagai Gotik Internasional - meskipun istilah ini berkembang secara modern menjadi Renaisans. Kat Black mengaku bukan seseorang yang murni mengikuti aliran tertentu , maka ia dengan yakin melangkah keluar dari batasan yang didefinisikan akademisi sebagai Gotik Internasional.

Kat Black justru menghindari mengambil gambar yang sudah sangat dikenal publik - seperti karya Botticelli, da Vinci, dan Michaelangelo (era Renaissance Tinggi). Karena mereka  ini memang sangat master di jaman Renaissance, sehingga mereka akan sangat berciri dibanding seniman lainnya. Selain itu,Kat Black justru merasa lebih tertarik dan tertantang jika bisa menampilkan karya seni kolase ini dari karya-karya tak dikenal . Karena menurut Kat Black, karya-karya mereka sama layaknya untuk ditampilkan.

Setiap kartu dikolase secara digital dan kemudian tercipta karya seni baru dan asli. Karya-karya Kat Black pada setiap kartu terdiri dari elemen-elemen dari banyak lukisan. Karena sumber gambar yang digunakan sangat penting pada dek ini, maka semua sumber dari semua elemen dan komposisi telah dicantumkan di bagian Lampiran di bagian belakang buku pengantar dek ini. Misalnya, dia membuat kolase kartu The Fool (0), dia lampirkan keterangan, sosok perempuan dan taman pada gambar itu diambil dari karya siapa. Kemudian figur anjing dan bukit dia ambil dari gambar siapa. Demikian seterusnya, detail ada disetiap kartunya. Ini cara dia menghargai dan mempublikasikan tujuan dia membuat kolase kartu ini. Maka deck kartu ini akan dilengkapi buku kecil yang memuat semua keterangan ini sebanyak total 198 halaman.

KOLASE & DIGITAL
Kat Black adalah seseorang yang suka memotong-motong gambar dan tempel (cut paste) sejak ia kecil.  Biasanya dia menghibur diri sendiri di rumah dengan kertas bekas dan gunting di kantor kecil rumah orang tuanya. Pengalaman masa kecil ini sangat mempengaruhi proses berkarya dia saat ini.

Sebelum ditemukan scanner atau alat canggih lainnya, ia membuat kolase fotokopi potongan kayu abad pertengahan dengan pisau dan lem. Banyak seniman kolase masih menggunakan teknik itu, seperti Sarah Ovenall dengan dek tarot Victoria Regina yang cantik.

Sementara dengan berkembangnya teknologi, Kat Black membuat dek tarot digital pertamanya di Deluxe Paint (dPaint) di Amiga pada awal 1990-an. Dengan tiga puluh dua warna, dek itu tidak terlalu mengesankan - tetapi dari sini kartu tarot Golden Tarot ini dimulai. Kat Black juga  belajar Multimedia di North Sydney College of TAFE dan mengasah teknik grafisnya disana. Akhirnya teknologi telah berkembang ke titik di mana segala sesuatu yang dapat Anda bayangkan menjadi mungkin.

Kat Black juga dikenal sebagai web developer, khususnya spesialisasi di resolusi warna (memperbaiki warna). Banyak waktu yang dibutuhkan di setiap gambar untuk dibuat pada resolusi tinggi untuk bisa dicetak, membuat project pembuatan kartu Golden Tarot ini menjadi pekerjaan besar. Satu deck kartu ini membutuhkan waktu produksi sekitar 15ribu jam. Setiap gambar terdiri dari sekitar dua puluh lapisan, dan setiap lapisan telah dimanipulasi untuk membuatnya cocok dengan seluruh komposisi sebaik mungkin.

Namun, tujuan Kat Black adalah membuat deck yang terlihat genuine (asli, original). Jadi ia berharap, pekerjaan dia memungkinkan orang yang melihat bahwa gambar-gambar pada masing-masing kartu ini adalah hasil kolase.

Bahan dan sumber Kat Black untuk membuat kolase ini bervariasi. Mulai dari lukisan dinding berukuran besar dalam corak lembut, hingga dekorasi naskah kecil yang harus diterangi dengan warna primer cerah yang cemerlang. Kat Black mengaku sering melakukan zoom in untuk mengerjakan piksel untuk gambar figur.

Karya Kat Black sendiri sebenarnya beraliran naif dan mirip kartun. Sama sekali tidak seperti gambar yang ia kerjakan di dek ini. Ia tidak bisa melukis seperti seorang Master Italia Renaisans. Tetapi pengalamannya sebagai seorang pelukis tentu telah membantunya dalam project ini. Baik itu soal bakat atau (kemungkinan besar) latihan, aspek komposisi dan warna.

Pameran karya seni bisa memberi kepercayaan diri kepada senimannya untuk melepaskan karyanya ke publik. Seorang seniman kehilangan kendali atas karya mereka, segera setelah mereka menyelesaikannya. Penikmat seni akan membuat interpretasi mereka sendiri dan tidak ada interpretasi tertentu yang lebih benar daripada yang lain. Jika Anda melihat sebuah gambar dan itu mengatakan sesuatu kepada Anda, maka itu benar - terlepas dari siapa senimannya, terutama ketika menyangkut tarot. Demikian juga keinginan Kat Black, begitu Golden Tarot ini berada di tangan kita, semua kembali ke diri kita sendiri, bagaimana kita menginterpretasikan, memaknai dan menyikapinya.

PROFIL
Kat Black adalah seorang webmaster, penulis, dan seniman. Dia telah menunjukkan keberhasilannya sebagai pelukis di Sydney dan Australia barat dan menjalankan berbagai situs hiburan dan informasi seperti goldentarot.com, fork-you.com, dan retrokat.com. Dia memiliki minat pribadi yang mendalam pada Seni Eropa dan Tarot selama bertahun-tahun. Jadi Golden Tarot dilakukan sebagai hasil kerja penuh cinta dibanding sebagai proyek komersial. Kat telah bepergian secara ekstensif, termasuk tinggal di Inggris selama beberapa tahun. Dia sekarang tinggal di Australia dengan kucingnya Ellie.

Konsultasi personal tarot reading
* Online, meet up, event
Bersama Nunuk Ambarwati
WA 081-827-7073
IG @nnk_tarot @nunukambarwati

Seni dan Pendidikan

Beberapa waktu lalu, 25 Agustus 2020, saya diminta menjadi moderator untuk acara webinar dengan topik "Seni dan Pendidikan". Di acara tersebut, menampilkan para pembicara Aak Nurjaman (kurator, penulis), Cilik T. Pamungkas (former founder Anak Cilik Indonesia) dan Dik Doank (aktifitas pendidikan anak, pengelola Kandank Jurang, seniman). Acara webinar ini sendiri sebagai penanda dibukanya pameran virtual seni rupa karya anak-anak dengan tema "My Spirit". Memang semuanya dilangsungkan serba online/virtual. Baik pamerannya maupun acara ngobrol-ngobrolnya (webinar).

Untuk pamerannya silakan kunjungi

Web https://artspaces.kunstmatrix.com/en/exhibition/912588/ruang-anak (tapi cuma bisa diakses sampai tanggal 14 September 2020, karena cuma bisa bayar web sampai tanggal tersebut)
Youtube Channel Ruang Anak My Spirit https://youtu.be/RcFomx1c_3s
IG @ruang.imajinasi.anak

Selama acara webinar, saya pribadi merasa tergagap gagap dengan metode ini. Saya biasanya mengikuti acara sebagai peserta, kali ini saya bertindak sebagai moderator. Saya harus bisa membuat acara ini dinikmati dengan baik dan tentu saja pesan webinar ini tersampaikan. Namun sayangnya, kendala teknis banyak terjadi pada acara ini. Karena memakai aplikasi zoom gratisan, maka acara webinar seringkali terputus di tengah jalan karena kalau gratisan, kita akan dibatasi oleh durasi. Sedang semangat semangatnya memaparkan gagasan, eh harus cut out di tengah jalan. Mau join link lagi sudah kebingungan. Aduh! Belum lagi soal sinyal koneksi yang naik turun atau masalah teknis dengan audio.

Namun demikian, ya begitulah... karena memang acara pameran dan webinar ini diselenggarakan secara swadaya oleh para orang tua dengan cara iuran - maka semua fasilitas yang disediakan belum bisa maksimal. Apa maksud swadaya disini? Para orang tua yang mengikutsertakan anaknya dalam acara pameran ini, memberikan iuran kontribusi uang untuk biaya sewa web, pembuatan video, juga membuat acara webinar tersebut. Belum lagi kan balada Ibu Ibu yang harus repot ngurusin ini itu sambil webinar, multitasking lah :)

Oke, kembali ke webinar. Berikut ini apa yang bisa saya simpulkan sedikit saja dari acara tersebut, karena memang acara tersebut kurang maksimal secara penyelenggaraan. Padahal kontennya menarik, pembicaranya juga bagus bagus. Tujuan dari webinar ini adalah bahwa seni itu adalah bagian penting dari proses pembelajaran anak. Sementara, seni sering dikesampingkan, tidak mendapat porsi, tidak prioritas dalam dunia pendidikan formal.

Aa Nurjaman (Kurator, Penulis)

Aa Nurjaman menjadi penulis dalam pameran virtual karya anak "My Spirit". Aak sendiri baru pertama kali menulis atau mereview pameran dengan karya anak-anak. Sebelumnya, Aak banyak menulis atau menjadi kurator untuk karya-karya seniman dewasa. 

Bagi Aa, ini merupakan pengalaman baru dan menyenangkan serta unik. Menurutnya, pameran ini bisa menjadi wadah ekspresi anak-anak merespon suasana pandemi Corona. Seni bisa menjadi media ekspresi yang sangat bagus. Membaca karya anak dalam seni seperti membuka rahasia estetis anak tersebut, apa yang dipikirkan dan dirasakannya. 

Dalam kutipan tulisan Aa untuk pameran: Tindakan mengajak anak untuk fokus berpikir sebenarnya mereduksi imajinasi pengalaman sang anak, tanpa disadari di sisi lain terdapat suatu rasa yang membutuhkan penyaluran guna memuaskan hasrat imajinasinya. Salah satu media penyalur pengalaman imajinasi adalah seni. Tetapi potensi seni selama ini kurang mendapat perhatian.

Cilik T. Pamungkas (former founder Anak Cilik Indonesia)
Cilik dalam paparannya sharing perihal pengalaman dia pernah menjadi pengajar/pendidik, juga sempat mendirikan Yayasan yang aktif di bidang edukasi anak-anak dan saat ini juga berperan sebagai seorang Ibu. 

Menurutnya, perkembangan kepribadian anak dipengaruhi oleh faktor lingkungan.Kepribadian adalah hasil proses hidup yang panjang. Kita sebagai orang tua hendaknya bisa mendukung kebutuhan anak untuk membantu proses perkembangan kepribadiannya tersebut. Dan seni bisa menjadi media untuk mengembangkan kepribadian anak tersebut. Seni membuat kita lebih humanis.

Materi presentasi Cilik T. Pamungkas bisa didapatkan di https://drive.google.com/file/d/1U_EFvjVfdpVIAYI0qoj0kkhvMWKPn7qX/view?usp=sharing

Dik Doank (Aktifis Edukasi, Pengelola Kandank Jurang & Seniman)

Sementara Dik Doank mengamati bahwa corat coret anak itu bisa dibaca. Dalam pengalamannya, anak anak diajak untuk pandai “membaca”. Tetapi membaca secara natural, membaca alam. Bagi Dik Doank, mengajar anak itu mengajar dengan cinta, karena cinta itu memberi harapan kepada anak. 

Bagi Dik Doank, dibutuhkan keberanian dan konsistensi sebagai orang tua untuk menentukan pilihan cara mendidik anak. 

Seni itu indah. Seni harus utama di pendidikan anak. Seni akan mengenalkan kepada anak siapa Tuhan. Seni akan menguatkan karakter anak. 

Kesimpulan singkat:

- Seni sebagai media ekspresi anak

- Seni membuat anak menjadi humanis

- Seni menguatkan karakter anak

Ruang Imajinasi

Petang itu, saya datang super telat ke acara pembukaan pameran anak-anak, karena waktunya dibagi-bagi banyak agenda seharian. Memasuki lokasi pameran, sudah penuh anak-anak & pengunjung pameran. Begitulah, kalau pameran anak-anak, yang datang bisa seluruh keluarganya :)  Meskipun terasa riuh & penuh, justru karya anak-anak yang dipamerkan di ruang pamer mencuri perhatian saya. Ya! Karya anak-anak akan selalu membuat terkejut. Terkejut dengan tersenyum, terkejut karena ide mereka, spontanitas mereka juga goresan mereka yang keluar bersama energi yang bisa kita rasakan. Itulah karya anak-anak “Ruang Imajinasi” di Badai Art Studio 14-21 September 2019. Ketika karya karya ini sudah bisa mencuri perhatian di tengah kerumunan massa, maka karya karya ini bisa saya bilang berhasil. Artinya karakternya sudah kuat, meskipun belum semuanya.

Beberapa waktu lalu, saya menulis review pameran seni rupa yang mempertaruhkan kebahagiaan. Kalau tidak merasa bahagia, dia tidak bisa berkarya, berkarya itu harus bahagia. Kurang lebih demikian statemen senimannya. Nah untuk pameran karya anak “Ruang Imajinasi” ini buat saja kejujuran adalah taruhannya. Mengapa? Karena karya anak-anak itu spontan & jujur dari perasaan & pikiran polos mereka. Buat saya, ketika menyelenggarakan pameran karya anak, saya bisa merasakan juga bagaimana karya karya itu berbicara. Apakah karya ini jujur dari anak, atau mendapatkan tekanan dari lingkungan sekitarnya. Misalnya, “Warnanya harusnya begini!” atau “Kalau gambar yang bagus dong, kayak si A si B si C!”. Ketika karya itu bisa tampil karena dikerjakan dengan bahagia dan jujur dari hati, maka sebuah coretan sederhana pun akan membuat kita menengok dan melihatnya, merasakan energinya. Ini adalah pesan untuk para orang tua yang mendampingi anak anak berkarya, supaya bisa menahan diri untuk tidak memasuki wilayah kreativitas mereka.

Kembali ke pameran “Ruang Imajinasi” - pameran ini sudah menunjukkan keragaman karya anak. Ada yang baru pertama kali menggambar, pertama kali pameran, ada yang sudah biasa pegang kuas, kanvas & cat. Berikut sedikit catatan untuk pameran ini, menurut saya, pameran ini kurang berani menampikan keliaran ide anak. Semua anak yang memamerkan karya mereka menggunakan media kanvas. Menurut saya, tidak harus atau tidak wajib karya anak anak ini memakai media kanvas. Seingat saya, organizer acara ini juga tidak mewajibkan karya diatas kanvas. Tidak perlu terstigma bahwa pameran itu harus bermediakan kanvas. Ketika bisa menampilkan orisinalitas atau kejujuran anak-anak ketika berkarya dengan kertas, kardus, barang bekas, kain atau apapun medianya - menurut saya akan jauh lebih menarik & itulah sebenarnya anak anak. Tinggal pinter pinternya organizer mengemas display pameran dengan media beragam tersebut. 

Sebagai sebuah pameran perdana dibukanya Badai Art Studio, pameran ini sudah berhasil mencuri perhatian publik. Apalagi kegiatan penunjang pamerannya banyak dan dikemas asik - seperti workshop-workshop dan obrolan ringan seputar parenting. Selamat dan sukses Badai Art Studio. Jangan pernah lelah untuk membuat anak anak tersenyum lebar & bangga menampilkan karya karya mereka :)

Bahagia versi Ekwan Marianto

Menjadi seniman itu tidak mudah. Tidak mudah dalam hal membiayai hidup dia. Apalagi bila dia sudah memiliki keluarga. Uang hasil penjualan karya belum tentu bisa didapat kapan dan berapa jumlahnya. Mikirin itu saja bisa jadi bikin pusing kepala. Apalagi harus terus berpikir kreatif, harus produksi karya yang biayanya tentu tidak sedikit. Sementara seorang seniman juga mesti dituntut untuk selalu ada karya yang baru sebagai bentuk eksistensi dia di dunia seni rupa.

Nah dari semua kekompleksitasan masalah tersebut diatas, ada seorang seniman Ekwan Marianto (lahir 18 Desember 1977) asal Tuban, yang mengesampingkan itu semua. Kok bisa? Iya, dia sudah bertekad untuk berkarya dengan bahagia. Kalau tidak bahagia, dia mengaku tidak bisa berkarya. Jika tidak merasa bahagia, karya apapun yang dia buat serasa selalu ada salahnya atau tidak pas di hati. Untuk mencapai pada tahap ini, tentu tidak mudah ya. Harus benar benar ikhlas dan menerima dengan rasa syukur apa yang sudah didapatkan. Ketika seseorang sudah sampai pada titik ini, itu tidak mudah, saya yakin dia sudah bisa memaknai hidup yang sesungguhnya. Hasil kebahagiaan itu, Ekwan tampilkan dalam sebuah pameran tunggal seni rupa bertajuk “The Journey of Happiness” di Taman Budaya Yogyakarta, mulai tanggal 21 Desember 2019 hingga 4 Januari 2020. Ini merupakan pameran tunggalnya yang ke-5 selama karirnya sebagai seniman.

Ekwan menampilkan lebih dari 40 karya, dengan media beragam. Dari kanvas, kayu, perunggu, resin. Karyanya pun memiliki ukuran dan dimensi yang besar. Lihat karya-karya yang ditampilkan oleh Ekwan Marianto, tema-tema karyanya adalah keseharian yang sederhana. Tentang ikan, burung, kerbau, sapi, anjing dan manusia-manusianya.

Latar Belakang

Ekwan mulai mempelajari seni di Sekolah Menengah Seni Rupa (SMSR). Disana ia belajar dasar-dasar menggambar, melukis, mengukir kayu, membatik, membuat cetakan, membuat ilustrasi dan sebagainya. Tak butuh waktu lama baginya untuk memutuskan bahwa ia akan menekuni lukis. Pada akhirnya ia menguasai beragam teknik dan gaya lukis.

Waktu itu ia tinggal di sebuah rumah kos di Yogyakarta, jauh dari kota asalnya yaitu Tuban, Jawa Timur. Lingkungan di sekitar rumah kosnya dipadati para seniman muda yang penuh gairah. Sebagian besar mereka menempuh pendidikan tinggi di Institut Seni Indonesia (ISI) Yogya. Walaupun ia tidak menempuh pendidikan tinggi seperti para tetangganya, pengaruh lingkungan tempat tinggalnya itu begitu besar dalam jalan hidupnya, termasuk diantaranya adalah pertemuan dengan seorang perempuan yang kelak akan ia nikahi. Kemantapannya menjadi seniman dan caranya memandang hidup secara umumpun juga tak lepas dari pengaruh lingkungan tersebut.

Saat ini dia memiliki ruang seni yang dikelolanya dengan kesungguhan hati dan didedikasikan untuk siapa saja yang membutuhkannya, ia beri nama Kembang Jati Art House.

Kekuatan Kesederhanaan

Diantara berbagai artefak peradaban kuno, kartun tahun 1980an, aliran abstrak ekspresionis, emoticon (simbol-simbol emosi pada gawai) kontemporer dan wayang kulit Jawa, kita bertemu dengan karya seni Ekwan.

Tawa kita terpancing ketika melihat kelucuan dalam karyanya. Rasa penasaran kita akan dunia yang diciptakan oleh sang senimian pun tergelitik, namun pada saat yang sama kita juga terharu dan terinspirasi untuk membuka diri pada sebuah hal mendasar yang membuat kita jadi manusia sesungguhnya. Kita mendapat kesempatan berharga untuk mengingat kembali hal-hal yang membahagiakan.

Kesederhanaan karya Ekwan tak hanya menyamarkan kepekaan sang seniman yang luar biasa namun juga keahlian yang dilatih selama bertahun-tahun serta, yang paling penting, beragam lapis interpretasi terhadap karya-karyanya.

Karya seni Ekwan menjadi sebuah peringatan merisaukan bahwa keberhasilan manusia yang paling hebat sebenarnya selalu berakar dalam imajinasi dan kerbesamaan, bukan pada sesuatu yang acap kita pikirikan seperti sistem penilaian yang rumit dan kompetitif, kemampuan konsumsi, dan kesempurnaan layaknya produk buatan mesin. Lukisan Ekwan yang tampaknya kekanakan justru menyimpan rahasia kegembiraan yang selalu dicari-cari oleh manusia layaknya sebuah pencapaian.

Sumber inspirasi Ekwan yang lain adalah desa kampung halamannya, film-film kartun yang pernah ditontonnya waktu kecil, perayaan-perayaan di desa, lukisan karya pelukis Indonesia maupun mancanegara, ingatan-ingatan serta imajinasinya, wayang kulit, ukiran tradisional, graffiti yang tersebar di dinding-dinding kota Yogya, pesawat terbang di udara dan banyak lagi. Beberapa sumber inspirasinya adalah sesuatu yang berada di alam sadarnya, dan ada pula yang berasal dari alam bawah sadar. Yang pasti, Ekwan kini membuka pintu bagi apapun untuk menjadi inspirasi, selama ia masih tetap setia menggerakkan tangan sesuai keinginan hati dan selama ia masih merasa nyaman untuk berkarya. Hasilnya adalah karya-karya sugestif yang utuh.

“Berkesenian bagi saya itu tidak ada kata berhenti karena itu sumber kebahagiaan saya. Saya suka menyaksikan citra yang muncul dari permainan-permainan ekspresif saya.  Saya sering terkejut melihat sebuah bentuk muncul, dan mewujud. Seandainya saya berhenti dan berpikir, mungkin hal itu tampak konyol. Saya tak mungkin akan berani melukis tangan seperti itu, atau kumis yang menggelantung di tepian muka…atau apapun yang serupa, jika saya kebanyakan berpikir. Tapi kalau mengerjakan hal seperti ini menyenangkan, melukis dan memainkan warna sesuka hati, buat apa dipikirkan? Hahaha…

Nasirun
Saya bersyukur melihat para seniman muda yang berdedikasi terhadap karyanya. Pada dasarnya, saya senang melihat Ekwan mendapat kesempatan untuk mengeksplorasi media lain selain cat dan kanvas. Saya yakin ini sangat penting untuk perkembangan keseniannya. Lebih-lebih kalau kita membicarakan budaya lokal di sini. Tidak pernah ada batasan kaku di antara berbagai media kesenian--semuanya merupakan satu kesatuan, bagian dari wadah yang luas yang membawa warisan budaya. Ini termasuk asas-asas kebersamaan, kebahagiaan, dan keterhubungan dengan beragam hal. Kebahagiaan itu pada dasarnya datang dari hal-hal sederhana yang semakin langka ditemukan di zaman modern ini.

Edi Sunaryo

Ada hal yang mengharukan ketika berhadapan dengan sosok Ekwan, yaitu kesederhanaan dalam menyikapi hidup. Dia ingin berbagi rasa bersama dengan teman-temannya yang baru miniti karier sebagai perupa. Jiwa sosial yang dia miliki diwujudkan dalam konsep ruang pajang, ruang alternatif yaitu bangunan rumah Jawa sebagai wadah memamerkan karya seni rupa secara gratis diberi nama Kembang Jati. Latar belakang konsep ruang pajang ini adalah berdasar pengalaman pribadi ketika betapa susahnya mendapatkan kesempatan untuk memamerkan karya-karya seninya di galeri yang ada di Yogyakarta. Ekwan sadar diri dan merasa bahwa setiap penolakan secara halus oleh galeri alasannya karena karya seninya belum layak pameran.

dr. Oei Hong Djien
Karya patung Ekwan juga bercorak naif, namun dibandingkan dengan lukisannya lebih mempunyai keunikan. Dimana letak keunggulan patung Ekwan?  Dari segi visual, patungnya mudah diapresiasi karena indah, menyenangkan dan mempunyai daya pajang lebih. Yang terakhir ini disebabkan ukurannya yang mini sehingga mudah dicarikan tempat untuk dipajang. Temanya menarik dan jenaka. Bentuknya juga mempunyai daya tarik dikarenakan deformasi bentuk yang lucu, aneh tapi enak dipandang. Hal ini mengingatkan saya pada deformasi Widayat. Warnanyapun segar, indah dan harmonis. Warna ini kalah mengesankan kalau ia memakai bahan perunggu.

Jean Couteau
Wong Cilik pada Ekwan. Lihatlah lukisan Ekwan! Apakah wong ciliknya -- kaum miskin tertindas, para pengangguran, dan mereka yang dieksploitasi -- tampak teralienasikan dalam lukisan-lukisannya? Sama sekali tidak. Mereka justru sebaliknya tampak gembira.

Apa yang kita lihat? Orang-orang yang ketawa-ketiwi, jejingkrakan, bergairah, dan penuh canda ria. Seolah-olah hidup mereka merupakan suatu kesinambungan terus-menerus dari peristiwa-peristiwa yang membahagiakan. Dan ini bukan hanya apa yang kita lihat, melainkan juga apa yang mau dikatakan oleh Ekwan. “Saya melukis kebahagiaan”, katanya, “sebagaimana kebahagiaan yang datang kepada saya. Karakter-karakter saya mendapatkan inspirasi dari apa yang saya lihat di pasar-pasar malam, pada jathilan, dan pada semua acara favorit kehidupan desa Jawa”.

Ruang Imajinasi Tanpa Beban

Ruang Imajinasi Tanpa Beban

Mengapa membuat pameran untuk anak-anak? Apa perlunya membuat pameran buat mereka? Apa kekuatan karya-karya mereka sehingga perlu dipamerkan? Apakah karya anak-anak ini memang sudah layak pamer? Demikian kira-kira beberapa pertanyaan yang seringkali muncul ketika hendak membuat pameran untuk anak-anak? Pertanyaan-pertanyaan ini justru lebih sering muncul dari orang tua sendiri. Orang tua justru malah tidak percaya diri terhadap karya anak-anak mereka. Mari temukan jawaban-jawaban pertanyaan diatas melalui pameran “Ruang Imajinasi”.

“Ruang Imajinasi” mencoba memberi ruang bagi karya anak-anak. Memberi ruang atas imajinasi mereka yang kadang di luar batas yang kita bayangkan – yang kadang hanya dimengerti oleh mereka sendiri atau teman-teman sebayanya.”Ruang Imajinasi” mempresentasikan karya dari 11 anak dengan rentang usia 4-11 tahun. Mereka adalah Dara Ayudya Balqis, Mutiara Laut Biru, Gemintang Alam Semesta, F. Anindito Bramantyo, Sang Badai Ulung Kembara, Masayu Sang Radjapadmi, Orlin Maritsa Gunari, Letycia Cherysh Tupamahu, Kalyana Jaladri Median, Leonce, Bintang dan Daraswita Jeva Dananjaya. Masing-masing anak memamerkan 1-3 karya. Bertempat di Badai Art Studio, Tirtonirmolo, Kasihan Bantul, sebuah ruang presentasi terbilang baru di peta seni rupa Yogyakarta. Pameran “Ruang Imajinasi” sendiri dipamerkan pada rentang waktu 14-21 September 2019.

Anak-anak yang mengikuti pameran ini, memiliki orang tua yang terdiri dari beragam latar belakang profesi. Ada memang yang sangat bersinggungan dengan seni rupa – orang tuanya memang seorang seniman misalnya, atau orang tuanya pekerja seni. Tetapi ada juga yang tak ada latar belakang seni rupa sama sekali. Latar belakang ini sedikit banyak akan berpengaruh pada karya anak-anak. Pengaruhnya lebih pada kepekaan atau keberanian mereka berekspresi dalam karya. Ketika saya tanyakan, seberapa besar peran orang tua dalam karya anak kali ini? Apakah mereka ikut menyelesaikan gambar anak-anak ini? Ada orang tua yang menyampaikan, orang tua tidak ikut campur karena anak sudah memiliki kemauan sendiri akan karyanya. Kemauan mereka sangat kuat, soal pilihan warna dan bentuk. Ada juga yang komentar, tak ada cukup waktu untuk memantau karya anak mereka karena orang tua sibuk bekerja. Maka bisa kita rasakan dan nikmati kejujuran karya anak-anak melalui pameran ini.

Komposisi 11 anak ini terdiri dari 5 laki-laki dan 6 perempuan. Bila kita tengok karya mereka, apa yang mereka gambar tak jauh dari keseharian. Karya anak-anak perempuan lebih banyak bertema tentang keluarga dan rumah. Sementara karya anak laki-laki bertema mainan atau fantasi tentang mainan.

Apa kekuatan karya-karya mereka sehingga perlu dipamerkan? Apakah karya anak-anak ini memang sudah layak pamer? Membaca karya anak menurut saya sebaiknya tidak memakai pendekatan yang sama seperti membaca karya seniman yang sudah paham teori seni rupa. Anak-anak ini mungkin memang belum paham teori seni rupa seperti nirmana, perspektif dan sebagainya itu. Maka membaca karya anak adalah membaca soal kejujuran berkarya. Tidak perlu terlalu berkerut kening ketika membaca karya anak-anak ini. Membaca karya anak adalah membaca jiwa, membaca energi mereka. Soal kejujuran dalam berkarya ini yang mungkin akan sulit kita baca pada karya seniman dewasa karena mereka juga terbebani bahwa karyanya harus bagus, karyanya harus memiliki pesan kuat, atau bahkan karyanya harus bisa terjual. Sementara ukuran membaca karya anak-anak menurut saya adalah anak-anak sebaiknya justru tanpa beban ketika mengerjakan karya tersebut. Bila mereka ingin menggunakan media kertas ya silakan, atau ingin memakai pensil dan tanpa diwarnai, ya monggo. Kadang kita dibuat terkejut ketika judul karya tidak seperti apa yang mereka gambarkan (haha). Itulah energi kejujuran yang bisa kita baca ketika tiba-tiba ada gambar gajah bersayap atau pelangi versi corat coret mereka. Maka memberi ruang imajinasi itu sama dengan memberi kebebasan tanpa beban kepada anak-anak kita yang tertuang lewat karya. Kita bisa ikut merasakan aura kebebasan imajinasi tersebut dalam karya anak-anak ini. Jadi ukuran karya anak itu justru bukan pada bagus atau tidak, tetapi dia jujur atau tidak, terbebani atau tidak ketika berkarya. Akan terbaca aura atau energinya pada setiap karya yang tampil.

Mengapa membuat pameran untuk anak-anak? Memberi ruang presentasi atau memamerkan karya anak, menurut saya adalah salah satu bentuk terapi psikologis terhadap anak. Dengan memamerkan karyanya, anak menjadi lebih percaya diri, anak bisa lebih semangat dalam kehidupan bersosialiasi. Bahkan ketika anak sedang berproses menyiapkan pameran saja, mereka sudah terkatrol semangatnya. Mereka tahu karya mereka akan dipamerkan, kadar bahagianya bisa naik hingga 80% mungkin. Inilah salah satu jawaban apa pentingnya memberi ruang imajinasi terhadap anak.

Menurut saya, pameran ini tidak hanya diperuntukkan diapresiasi oleh anak-anak; justru orang tua bisa banyak belajar dari pameran ini. Apa saja edukasi yang bisa kita peroleh dari penyelenggaraan pameran ini:
* Inspirasi karya anak-anak yang orisinil. Para orang tua disini benar-benar membebaskan anak berkarya dengan tema yang mereka sukai, tema yang dekat dengan mereka dan media yang mereka inginkan.
* Menghargai anak. Bagaimana antara orang tua dan anak menemukan sepakat karya mana yang akan dipamerkan. Pilihan orang tua kadang tidak sama dengan anak. Orang tua menghargai proses dan hasil karya anak yang mereka hasilkan. Bahkan hingga keputusan apakah karyanya akan dijual atau tidak, bila dijual dengan harga berapa, semuanya hasil kesepakatan dengan anak itu sendiri.
* Lingkungan tumbuh kembang anak. Bisa kita lihat bagaimana anak dengan latar belakang seni yang kuat, atau anak yang sudah sering mengikuti kompetisi menggambar hingga anak yang bahkan baru saja mulai menggambar karena mengikuti pameran ini.
* Kemasan pameran. Pameran ini dibuat layaknya pameran yang mengedepankan apresiasi terhadap karya-karya mereka. Karena kesadaran akan berpameran, beberapa orang tua menyiapkan media gambar seperti kanvas komplit beserta catnya. Meskipun sebenarnya anak bisa bebas mau menggambar lewat media apa saja.

Maka saran saya bagi para orang tua, hilangkan beban khawatir atau ragu-ragu mempresentasikan karya anak-anak; karena pembacaan karya anak adalah karya tanpa beban.

Yogyakarta, 10 September 2019
Nunuk Ambarwati


SALAM SENI // Perupa kenamaan HERI DONO datang dan akan membuka program untuk keluarga. Perupa muda BINTANG TANATIMUR (14 th) juga bakal menampilkan karya-karyanya bersama parabelia lainnya dalam Pameran Seni Rupa Anak "RUANG IMAJINASIKU" di Badai Art Studio, Jl. Tegal Kenongo, Tirtonirmolo Kasihan Bantul, Yogyakarta, 14-21 September 2019. 

Dalam pameran ini Bintang Tanatimur sebagai tamu spesial, penggerak inspirasi parabelia yang lebih muda. Jika anak Anda sering berlomba mencari juara, kini saatnya berlomba tampil di muka bersama-sama. Menggalang apresiasi masyarakat tentang baiknya karya seni untuk dinikmati bersama-sama. 


Sampai jumpa di BADAI Yogyakarta. SALAM SENI

Seni Abstrak Indonesia

SENI ABSTRAK INDONESIA
Hyatt Regency Yogyakarta, Oktober 2018

Abstrak dalam seni rupa berarti ciptaan-ciptaan yang terdiri dari susunan garis, bentuk dan warna yang sama sekali terbebas dari ilusi atas bentuk-bentuk di alam. Tetapi secara lebih umum, adalah seni dimana bentuk-bentuk alam itu bukan sebagai objek ataupun tema yang harus dibawakan, melainkan sebagai motif saja. Seni abstrak juga disebut sebagai seni nonrepresentasional. (Diksi Rupa, halaman 3).

Pameran Seni Abstrak Indonesia kali ini menghadirkan 4 perupa muda dengan latar belakang sosial, pendidikan dan budaya yang berbeda. Latar belakang tersebut akan menjadi bagian dari karakter abstrak mereka masing-masing. Arif Hanung T dengan tema landscape yang syahdu, sementara karya-karya Dedy Sufriadi menghadirkan karya abstrak ekspresionisme yang sangat kuat goresan catnya, nikmati pula karya Seppa Darsono dan Dwi Hariyanta yang lebih berani dengan komposisi warna, menampilkan figur dengan tema naif yang dekat dengan keseharian.

Arif Hanung T, "Homesick", 2016

Arif Hanung TS (Yogyakarta, 1990)
Pendidikan Sarjana Seni Rupa, Universitas Negeri Yogyakarta (UNY)
Tahun 2008-2009 pertama kali Hanung menggunakan media kanvas dan cat akrilik. Hanung memiliki background fotografi, aktif juga seni pertunjukan, penikmat dan pernah bekerja di dunia film. Karya-karyanya sangat terinspirasi dari pekerjaan yang pernah ia tekuni, yaitu matte painting (teknik layering) di dunia perfilman. Teknik-teknik fotografi tentang landscape sering ia pakai dalam teknik berkarya. Latar belakang Hanung lahir dan tumbuh di Majenang, kawasan agraris kaya landscape pegunungan dan masih sangat kental kekerabatannya. Dua hal ini membuatnya sangat menonjol menampilkan studi landscape pada karya-karyanya. Hanung lebih menyukai tema-tema alam dan dia lebih sering mengeksplorasi tema tersebut. Tak ada tendensi ingin menyuarakan sesuatu melalui karya-karya yang ia tampilkan saat ini. Murni bermain-main dengan bentuk lewat memori yang ia tuangkan dalam kanvas. Maka penikmat seni boleh memaknai karya Hanung dengan persepsi mereka sendiri. Penikmat seni diharapkan bisa mendapatkan ‘pesan rasa’ melalui goresan kuasnya, demikianlah bagaimana menikmati karya abstrak.

Dedy Sufriadi, "Ancient Figure, Mask and Neo Profile", 2016

Dedy Sufriadi (Palembang, 1976)
Pendidikan S2 Insitut Seni Indonesia (ISI), Yogyakarta (2013)
“Membaca perjalanan seni lukis abstrak saya, tidak bisa dilepaskan periode lukis sebelumnya. Karena periode inilah yang membuka ketertarikan dan pemahaman seni lukis abstrak yang sekarang dikerjakan”. (Kutipan pernyataan seniman dari Buku Soulscape: the Treasure of Spiritual Art, halaman 149).

Berasal dari Palembang di Sumatra Selatan, Dedy Sufriadi adalah anak kedua dari enam bersaudara dan mulai melukis dengan serius pada usia 15 tahun, saat masih di Sekolah Menengah Seni Rupa (SMSR). Dari sana, ia melanjutkan belajar di Institut Seni Indonesia (ISI), mengambil jurusan seni lukis. Pada tahun 2013, ia mendapatkan gelar Master dari institusi yang sama.

Dedy serius mengkonsumsi buku sejak ia memulai pendidikan tinggi pada tahun 1995. Karena kesukaannya membaca, maka tak mengejutkan bahwa teks telah menjadi elemen yang sangat penting dalam karyanya. Dedy juga mencatat sifat teks yang ada di mana-mana, sebagai sarana untuk menyampaikan informasi, mengutip fakta yang sering diabaikan bahwa kita diproses menjadi teks, dalam berbagai bentuk dan medium penyajiannya, di hampir setiap momen.

Di awal karirnya, dimana Dedy mendeskripsikan periode Eksistensialismenya (1998-2004), teks digunakan dalam lukisannya dengan cara yang dapat digambarkan sebagai pendamping untuk apa yang disajikan di kanvas.  Teks itu lebih berbeda, dan seseorang dapat secara visual melacak dan mengatakan secara lisan apa yang disajikan dengan mudah, mungkin telah dikaburkan.

Karya seni Dedy pada dasarnya membuat penikmat seni tidak hanya menghargai apa yang mereka lihat secara visual, tetapi tidak mengendalikan pemahaman kontekstual. Atribut ini dicapai dari penempatan teks secara multi layering dan acak, menciptakan kombinasi lintasan visual yang tak terhitung jumlahnya yang dapat dilihat oleh penikmat seni. Berbeda dengan buku, di mana teks disajikan dalam pengaturan penulis, karya seni Dedy memungkinkan pemirsa untuk secara bersamaan "membaca" dan menjadi penulis apa yang "dibaca".

Dwi Hariyanta (Bantul, 1976)
Pendidikan Sarjana Seni, Institut Seni Indonesia (ISI), Yogyakarta (2004)

Dwi Hariyanta, memulai berkarya sejak tahun 2003. Baginya, seni abstrak adalah media  kebebasan berkarya. Karyanya menghadirkan tema-tema sederhana, perihal kehidupan sehari-hari. Secara umum, karyanya banyak menyuarakan kegelisahan dirinya. Sebelumnya Dwi Hariyanta berkarya dengan aliran realis, sekitar tahun 2017 baru kemudian dia beralih ke seni abstrak. Picasso dan Andy Warhol adalah salah satu seniman yang menginspirasi karyanya.

Seppa Darsono, "Dulu Ikannya Melimpah", 2018

Seppa Darsono (Bantul, 1986)
Pendidikan Sekolah Menengah Seni Rupa (SMSR), Yogyakarta (2006)

Seppa Darsono banyak menempa pengalaman dari pergaulan dirinya dengan berbagai kalangan, baik seniman maupun non seniman. Ia pernah membantu temannya sebagai jurnalis, menjadi artisan seniman patung dan sekarang membuat produksi video berdasarkan pesanan. Sebelumnya, Seppa Darsono berkutat dengan karya beraliran naif. Tahun 2015 baru ia beralih ke abstrak hingga kini.  Masih tampak kecenderungan naif dan abstrak yang menyatu apik dalam sapuan kuas di kanvasnya. Temanya pun tak jauh dari aktifitas yang ditemuinya. Karya berjudul “Penjual Ikan dari Pangandaran” terinspirasi dari Menteri Kelautan, Susi Pudjiastuti, setelah ia mengikuti liputan temannya sebagai jurnalis di Pangandaran. Cy Twombly, seorang seniman abstrak ekspresionisme asal Amerika menginspirasinya dalam berkarya selama ini. Menurutnya, perkembangan seni abstrak Indonesia saat ini sangat bagus dengan warna-warna kuat yang banyak ditampilkan para seniman abstrak Indonesia.